Hans Jörg Bachmann
Daniel Cárdenas
Ma Martin
Marc Zaugg

Hans Jörg Bachmann, né en 1949 à Arbon, vit et travaille à Bienne. Après avoir obtenu son diplôme d'enseignant du secondaire à Saint-Gall, il a étudié la peinture et la pédagogie artistique à l'École supérieure des arts de Berlin, puis a suivi une formation complémentaire en photographie à la F+F de Zurich. En 1985, il a cofondé la Kunsthalle de Saint-Gall, qu’il a présidée jusqu’en 1992 ; il a également fait partie des fondateurs du Foto Forum de Saint-Gall et a siégé au comité directeur de visarte Biel/Bienne. Son œuvre allie la photographie en noir et blanc au dessin à l’encre de Chine et à la peinture. Ses ateliers-résidences à Gênes et à Rodalquilar (Andalousie), ainsi que ses séjours de travail répétés à Kyoto, marquent profondément son œuvre. Ses œuvres figurent notamment dans la collection d’art du canton de Saint-Gall, à la Fondation Tiébeau-Frey de Bellmund (BE), à la Bibliothèque nationale de Berne, en Suisse, Mobiliar à Berne et au WANG Art Museum, à Kyoto.

« Le paysage emprunté » Ce titre est un concept issu de l’esthétique paysagère chinoise et japonaise. Il s’applique à la peinture, à la poésie, à la musique et à l’architecture des jardins. Dans les jardins japonais des XVIIe et XVIIIe siècles, on trouve des chefs-d’œuvre représentant des paysages idéaux mis en scène, qui invitent à la flânerie et à la méditation. Le plus célèbre de tous les jardins zen est sans doute le Ryoan-ji à Kyoto : « Le temple du dragon apaisé » Au cours de mes séjours au Japon, j’ai essayé de m’imprégner de l’atmosphère de ce mystère. Les photographies en noir et blanc proviennent de différents jardins de la région de Kyoto. Le Japon d’aujourd’hui s’est entièrement tourné vers l’image numérisée. La tradition consistant à reproduire jusqu’à la perfection absolue s’est perpétuée jusqu’à nos jours. Les techniques ont toutefois radicalement changé. La série en couleur « Forêts ou dieux » a été réalisée au musée d’art numérique « Espon teamLap Borderless » à Tokyo – « Paysages empruntés » dans des paysages à grande échelle et accessibles au public. Une série intitulée « Sommets des nuages flottants » est composée de peintures à l'encre de Chine sur du papier de riz japonais.

Daniel est un photographe et cinéaste colombien animé par une profonde curiosité qui le pousse à découvrir de nouvelles façons de percevoir la réalité. Son travail consiste principalement à documenter diverses cultures au sein de leur environnement naturel, en explorant la relation profonde qui unit les personnes, les lieux et les paysages. Pour Daniel, le monde naturel est sa plus grande source d’inspiration. À travers la photographie et le cinéma, il cherche à cultiver une prise de conscience plus profonde de la beauté singulière et de la valeur intrinsèque de la Terre — notre foyer commun et la source vivante qui nous fait vivre. Son travail invite les spectateurs à renouer avec la nature, en la reconnaissant non seulement comme une simple toile de fond de la vie humaine, mais comme une présence essentielle digne de respect, d’attention et de réciprocité.

Dans cette exposition, la gratitude n’est pas considérée comme une émotion, mais comme une pratique de la perception — une manière de repenser notre relation au monde vivant. Cet ensemble d’œuvres est le fruit de huit années de dialogue soutenu avec les Kogi, gardiens autochtones de la Sierra Nevada de Santa Marta, en Colombie. Plutôt que de documenter une culture, ces photographies reflètent un processus de transformation façonné par la rencontre avec une vision du monde dans laquelle l’humanité et la nature ne sont pas des entités distinctes, mais les expressions d’une même conscience vivante. Les images invitent les spectateurs à considérer le paysage non pas simplement comme un décor, mais comme une présence vivante ; le territoire non pas comme une ressource, mais comme mémoire, intelligence et relation. À travers cette perspective, la photographie devient moins un acte d’observation qu’un geste d’écoute — un moyen de révéler les liens subtils qui unissent la vie humaine aux rythmes de la Terre. L’exposition s’étend au-delà du médium photographique à travers un rassemblement cérémoniel autour du cacao, inspiré des traditions ancestrales de réciprocité et de gratitude. Conçu comme une expérience partagée plutôt que comme une performance, cet événement offre un espace de réflexion sur la manière dont le rituel peut continuer à évoluer en tant que pratique contemporaine permettant de renouer avec nous-mêmes, les uns avec les autres et avec le monde naturel. En fin de compte, cette exposition propose la gratitude comme un acte radical de prise de conscience. En reconnaissant la Terre non seulement comme le lieu que nous habitons, mais aussi comme le système vivant qui rend toute vie possible, elle nous invite à imaginer de nouvelles formes de coexistence ancrées dans la réciprocité, la présence et la bienveillance.

MA Martin travaille à la croisée de l'art, de l'architecture et de la céramique, et dirige son atelier sous le nom de MA.Martin_Studio. La gravure et la céramique constituent deux axes récurrents de son travail, aux côtés de formats sonores et de projets spécifiques. Une source liée au projet d’échange de gravures «Escambo Gráfico 2.0» la décrit comme une artiste brésilienne installée en Suisse. Elle est une figure régulière de la scène artistique de Bienne, comme en témoignent notamment une exposition collective à étage 19 à Nidau en 2023 et «Joli Mois de Mai» à Bienne en 2025.

MA Martin avait déjà été invitée chez étage 19 en 2023. Pour « Natura – als Idee », c’est son rapport à la matière qui prime : la céramique et la gravure sont des processus dans lesquels la terre, les pigments, le feu et le temps jouent un rôle actif et contribuent à déterminer le résultat — la nature n’est pas un simple motif, mais une véritable partenaire dans la création.

Marc Zaugg est un artiste graphiste spécialisé dans la représentation d'images tirées de la nature. Ses œuvres s'inspirent de ses propres photographies, qui sont d'abord retravaillées numériquement, puis peaufinées à la main. Il en résulte une série d'œuvres à la fois très naturalistes et au rendu graphique.

Marc Zaugg expose des tirages lors de l'événement étage 19 2026. Les sujets de ses œuvres tournent principalement autour de phénomènes naturels, que Zaugg immortalise avec son appareil photo, retouche numériquement, puis imprime en petites séries de 4 à 6 exemplaires sur du papier japonais à l'aide de techniques analogiques.